por CARLOS ROMERA

Aunque tantas cosas se ven, entre éxodos, exilios, refugios, etc., no dejo de sorprenderme de ese afán extraño que tenemos algunas y algunos de acumular kilómetros en nuestros ojos, de necesitar distancias, de no conformarnos con el mismo entorno de todos los días, tal vez de no sentirnos plenos en el lugar donde nos tocó nacer, a no ser, claro, que nos expulsen o nos obliguen a salirnos.

Hoy les voy a contar dos casos de este estilo. < el primero es Sylvie Henry. Anoche hablé con ella después de cuanto tiempo… la misma voz, la misma alegría, la misma chispa. Cinco años después de aquellos días de orquesta y Zócalo. Teníamos un gran grupo, La Sonora Malasaña, Sylvie era la cantante y cantaba mis canciones. Era una delicia con una verdadera orquesta atrás. Fue una hermosa época, que no pudo prolongarse porque no habían contratos para tanta gente en el escenario. Pobrezas de un Estado Fallido, como siempre.

Sylvie, haitiana ella, vive en México, hizo familia en México, igual que yo. Tiene una voz firme, fuerte, cálida. https://youtu.be/Vd-6Zi_zd1s ; https://youtu.be/J1QuAy2nDjI .   Y no hay escenario que pueda con ella. No se puede quedar quieta un segundo, como la podrán ver en los vídeos que pongo abajo. La buena noticia es que nos vamos a ver este sábado, con un proyecto bajo el brazo. Es posible que los metales vuelvan a estremecer el Zócalo. Ojalá.

Y la segunda gran mujer, que me tiene sorprendido, es Lisa Ono.  http://onolisa.com/   Lisa, que nació en Río de Janeiro. Su padre decidió irse a Tokio para abrir un restaurante de comida brasileña, y ahí en su niñez Lisa no pudo olvidar Brasil, y se puso a tocar bossa nova, hasta el día de hoy.

Y cómo lo hace. Yo estaba trabajando con una de las computadoras en youtube, pero con la pantalla en otra cosa. Empezó a sonar esa voz tan Astrud Gilberto o María Creuza, me llamó la atención, y vaya sorpresa cuando ví que ella tocaba la guitarra como Toquinho, cantaba como Astrud, y todos sus músicos eran japoneses.  https://youtu.be/sAW3Ir7gyLQ  . Hermoso ejemplo de la diversidad cultural, de la ruptura de fronteras, y de lo delicioso que es escapar al karma infinito de tener que consagrarse a un sulo lugar, a un solo territorio, a un solo pasaporte, a un destino marcado. Espero que las disfruten en estos días de Semana Santa.

¡Feliz música, fílicos!

#FelizMartes!

¿Ustedes invitarían a su casa a un cura pederasta o un abusador de mujeres, o un soldado que mató niños? ¿O a quién no le importa o no quiere opinar sobre esos hechos tan deplorables? Bueno les cuento del lío que se ha armado en Castellón, España, donde esta semana se celebra el famoso festival Rototom Sunsplash, @sunsplash_es , en la ciudad de Benicassim, donde chicas y chicos muy progres hacen este festivalazo de reggae. El asunto es que invitaron a un cantante judío, nacido en USA, @Matisyahu ,  https://es.wikipedia.org/wiki/Matisyahu    quien, cuando le pidieron que opinara sobre Palestina, prefirió callarse, por lo que las autoridades del Festival lo borraron de la lista de invitados y cancelaron su contrato. Teniendo en cuenta que él es muy creyente de la religión, y sus letras incluyen palabras en iddish, pero….que no se le conocen declaraciones antipalestinas, el hecho ha cobrado una gran polémica en España. Cosas de la libertad de expresión y de opinión…  ( o de , como decía mi abuelo, el que paga manda…en fin…) https://youtu.be/H8fOLXtyCW0  …volveremos sobre el tema…

Y aquí otro hecho polémico, pero que lleva siglos: #undíacomohoy nació Antonio Salieri, compositor a quien siempre se le acuñó el título de la sombra de Mozart. De componer mediocremente mientras Mozart era el genio. No pues, la leyenda comienza cuando Mozart acusa a Salieri de robarle el puesto de profesor de música de la princesa de Wurtemberg, crece con acusaciones de Plagio de sus obras, y finalmente lo acusa de querer atentar contra su vida. El ruso Rimski-Korsakov le dedicó una ópera, y finalmente la película Amadeus recogió las sospechas y hasta las acusaciones de la historia que catapultaron a Salieri a esa fatídica sombra (https://es.wikipedia.org/wiki/Antonio_Salieri)  https://youtu.be/tzgSMXKfJl4

Una cita propuesta: Este jueves, o sea pasado mañana, a las 4 PM en el Auditorio de IMER; en México DF, estará Daniel Zepeda con sus Moscas Bravas. Como el Auditorio es pequeño, también se puede escuchar por la onda de Horizonte FM. ¿Quiénes son? Poco se sabe, ellos dicen en una presentación de evento en FB: “Moscas Bravas Quartet es un proyecto joven de jazz contemporáneo integrado por Roberto Verástegui en el órgano, Héctor Rodríguez en la Guitarra y el propio Daniel Zepeda en la batería. Es un proyecto que pretende atrapar al oyente por medio de las influencias tan diferentes que tiene cada integrante. Es una banda intensa llena de dinámicas, contrastes y fusiones de distintos géneros, entre ellos: jazz, funk, rock progresivo, drum and bass y swing.

Aquí les va una probadita para ver si les gusta: https://youtu.be/1Ko8xoZsUN4  ¡Feliz música, fílicos!

Para mas datos: http://www.contratiempojazz.net

Xitly     @xitlwild          www.soundcloud.com/charly-kenobi

Foto: Daniel Zepeda en concierto ( sitio oficial).

Grabado dios maya: Lucrecia Santos, Honduras.

Alan Fajardo Sexteto,  inauguró “NOVA” ciclo de conciertos audiovisuales realizado por el Centro Cultural España y el restaurante El Convite, el Espacio X fungió como escenario principal, poco a poco entre la obscuridad cada rincón del lugar se fue habitando de jóvenes ávidos de frecuencias sonoras distintas y nuevas, los minutos parecían lentos  pero,  todo estaba listo para comenzar.

Seis músicos tomaron sus lugares acompañados de una enorme proyección de imágenes a sus espaldas,  batería, contrabajo, piano y saxofones cobraron vida, la destreza de cada ejecutante generó una magnífica sinergia de sonidos armónicos delicados, suaves, mientras fotografías a blanco y negro, aparecían sin cesar,  las cuales denotaban esclavitud, sufrimiento, belleza, descubrimientos ocurridos en algún lugar antiguo y lejano de nuestro país.

Más tarde las notas de una trompeta se acoplaron con los demás instrumentos, Alan Fajardo, era el único músico que faltaba para brindar más fuerza a las melodías de jazz con toques electrónicos que en esa noche embelesaron al público, entre cada canción, emitían gritos de gusto por lo que en ese momento eran capaces de apreciar, otros tantos, sentados en su pequeño espacio individual bailaban contagiados de los ritmos en incremento.

Los solos de cada instrumento permitían una mezcla poco común entre la apreciación de audio e imagen que envolvió el ambiente con la proyección del documental “La Sal de la Tierra”, la energía transmitida por los músicos ocasionalmente daba pie para observar la pantalla.

El ensamble estuvo integrado por Federico Hulsz (Sax alto), Diego Franco (Sax tenor), Emilio Reyna (Piano), Óscar González, (Contrabajo), Pablo Aguirre (Batería),  egresados de la Universidad  de McGill y encabezados por el trompetista destacado Alan Fajardo, el cual tuvo colaboración en el Festival ArsFutura, actuando como músico invitado al lado de John Medeski y Todd Clouser.

El arranque de la primera etapa del ciclo NOVA, espacio destinado a la música popular contemporánea, tiene un programa conformado por 4 conciertos gratuitos, los tres restantes  se llevarán a cabo en los siguientes meses. Sin duda el primer concierto liderado por el Sexteto, fue un éxito al compartir sus piezas originales.

NOVA propicia el encuentro de músicos de distintas coordenadas geográficas y creativas, el resultado  son conciertos únicos  e irrepetibles que se alejan de las etiquetas, y con un fuerte énfasis en la experimentación sonora.

*Artistas y fechas de próximos conciertos:

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Martes 29 de septiembre, 19:00 h

Daniel Jodocy (Bélgica – USA)

Científico, músico, DJ y constructor de instrumentos nacido en Bélgica y residente en Nueva York desde 1997.  Ha colaborado con figuras del jazz y el avantgarde como Bill Frisell, Joey Baron, Billy Martin y John Zorn, entre muchos otros.

Las capacidades colaborativas de Daniel, trabajando con músicos de distintas formaciones y habilidades le han permitido desarrollar proyectos muy diversos, caracterizados todos ellos por su fluida aproximación a la improvisación, el énfasis hacia la interacción con el público y el profundo nivel de conexión que logra en los ensambles que dirige. Como muestra de ello, Jodocy nos ofrecerá una presentación acompañado de destacados músicos mexicanos.

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Martes 13 de octubre

Hobbit & Vini Duo(México)

 Hobbit & Vini Duo nace en la Ciudad de México en el 2008. El proyecto es el resultado de la colaboración de Alfredo “Hobbit” Larraguively Vinicio Toledo, quienes se juntan con la idea de plasmar algunas de sus inquietudes musicales en un lienzo musical que se adecue a su visión. Bajo la influencia de grupos como MM&W, Now Vs. Now, Mondo Trio, Foo Fighters, Red Hot Chili Peppers, NIN y Pink Floyd, buscan crear composiciones quetengan fuertes elementos del jazz pero que no pierdan su naturaleza de rock.

Es así como lanzan su primer material titulado Hobbit & Vini Duo bajo la producción del baterista Hernán Hecht. Cuatro años más tarde la agrupación se renueva y edita su segundo disco Pieces otra vez bajo la producción de Hernán Hecht, pero con un toque más electrónico en las composiciones y cada más alejado de los sonidos convencionales. La agrupación se ha presentado en diversos foros de la Ciudad de México entre los cuales se encuentran El Convite, Film Club Café, El Hijo del Cuervo, D’Polak, La Internacional, La Pulqueria…, así como en diversas ciudades del país como Guadalajara, San Luis Potosí, Queretaro e Hidalgo. Por ahora el grupo se encuentra promoviendo su material discográfico y generando nuevo material.

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Miércoles 11 de noviembre

 Federico Sánchez (México)

Joven guitarrista y compositor mexicano que desarrolla la mayor parte de su trabajo dentro de los límites del rock, la música electroacústica, el jazz y la electrónica.

Federico presentará su proyecto Annominatio, espacio creativo en donde, junto al guitarrista Aarón Flores, profundiza las posibilidades sonoras y musicales de la música electroacústica. Esta propuesta le permite al dúo replantear distintas actitudes y sistemas de comunicación dentro de la composición, interpretación e improvisación, logrando un resultado que solo es posible dentro de este formato de exploración sonora.

http://ccemx.org/nova-1/

Fotos:@junkieprana

Las Mazurkas tienen su propia personalidad y complejidad, los ritmos no dejaban de ser animados, festivos, Artur bailaba ligeramente cada pieza, sus pies no podían quedar inmóviles, las Mazurkas poseen sus orígenes en la danza tradicional polaca, Dutkiewicz en su reciente disco en solitario, se inspiró en la música folclórica polaca y en las melodías de Chopin, Szymanowski, Bartok. En los últimos tres años este músico consolidado ha actuando en más de 40 países en todo el mundo.

Se disfrutó de un proyecto pionero en la música contemporánea de piano en Polonia, sin lugar a dudas Artur Dutkiewicz maravilló a los mexicanos con este recital, que incluyó una canción de su álbum “Hendrix Piano” grabado con su trío, al finalizar el público pidió una canción más, el músico polaco regresó gustoso para complacerlos transmitiendo más armonía y visiones encantadoras.

Cada año que uno se plantea asistir al EuroJazz aparece una curiosidad tremenda al saber que músicos insospechados compartirán sus sonidos lejanos y aparentemente desconocidos para nuestros oídos. Poco a poco las áreas verdes del CENART se van cubriendo de melómanos, o quizá simplemente de oyentes que desean conectarse con un grupo de la sociedad que aprecia obtener un poco de tranquilidad entre tanto caos de la ciudad.

La sencillez y profesionalidad que contienen la mayoría de los músicos que se presentan a este evento anual en la Ciudad de México ha sido uno de los principales factores para que sea un gran éxito, además de la organización realizada por el CENART, se añora que los eventos masivos privados que acontecerán próximamente puedan tener estás dos cualidades.

El EuroJazz2015 se llevará a cabo del 1 al 22 de marzo en las áreas verdes del Centro Nacional de las Artes.

Amanda Tovalin, pertenece a la nueva generación de jazz en México

Amanda Tovalin es parte de la nueva generación de músicos jóvenes de nuestro país, lanzó su primer disco a finales de marzo de este 2014 titulado Amanda Tovalin Jazz Collective, el cual integra cuatro canciones que representan cuidadosamente la personalidad de esta nueva propuesta musical de jazz fresco, curioso y actual.

¿Cuáles son los recuerdos musicales que tienes de tu infancia?

A mi siempre me encanta decir esto, mis papás no son músicos pero son los melómanos más grandes que conozco, tuve mucha oportunidad de crecer oyendo, mi primer concierto fue Pink Floyd tenía cuatro años y mi mamá me llevó a verlos.

Tuve oportunidad desde muy pequeñita de tocar muchos instrumentos como la guitarra, la flauta que nunca volvieron a estar conmigo, cuando comencé a tocar el violín y comencé a cantar me di cuenta que son dos instrumentos que no puedes dejarlos solos mucho tiempo era muy ambicioso de mi parte decir que además de ese iba a tocar otros, sin embargo eso me ayudó a entender la sonoridad de esos instrumentos en particular, siempre intento componer una parte en especial para la guitarra o a lo mejor para la flauta porque tengo esos recuerdos de cuando yo intentaba y no me salía, ahora que tengo músicos que les sale perfectamente pues hay que aprovechar.

Todo viene desde la casa, desde mi mamá cantando blues en la cocina, ese tipo de cosas eran muy llamativas para mi que hasta la fecha tienen un timbre muy emocional que trato de meter a las canciones, incluso en este disco compuse una canción que se llama “Chocolate”, se la compuse a mi abuela porque ella siempre que estaba triste lo primero que decía era “mira te voy a hacer un chocolatito y cuando te lo tomes todo va a estar bien” entonces de eso trata esa canción, siempre intento meter mucho de mi entorno familiar, afortunadamente no eran músicos pero eran gente muy musical en su forma de ser.

¿En qué momento decidiste convertirte en músico, compositora y cantante?

Tuvo que ver mucho en cómo esperaba a que se hicieran las cosas, en un momento pensé integrarme como una banda, ser un miembro más y que todos opináramos sin embargo en el momento en el que yo trate de ser esto las personas con las que yo estaba no les gustaba mucho la idea porque cada quien tenía un proyecto en especial.

Fue como un proceso de decir si tu quieres que las cosas sean como tu tienes planeado, pues tu tienes que tomar la iniciativa de hacerlo, aprendí en el camino como decirles a los músicos qué es lo que yo estoy viendo y también cómo aceptar las sugerencias que ellos me dan, fue más que nada que yo ya quería ver resultados, no tendría nada de malo si yo estuviera en otro proyecto pero me gusta tener un proyecto en el que la voz sea mía y que las canciones que yo diga sean lo más honesto posible porque son las cosas que estoy sintiendo en este momento eso era muy importante para mí.

Me tardé más o menos un año y medio o dos años en desarrollar una idea en la que yo pudiera ser la líder, la que compone las canciones pero que tuviera esta oportunidad de que los músicos participaran esto me dio pauta de que se hicieran las cosas sobre el tiempo porque nos estábamos tardando un poquito en que todos nos juntáramos y a ver que hacíamos y que canciones salían me di cuenta que a lo mejor ese no era el rumbo sino que uno tenía que tomar la iniciativa.

¿Para ti es importante estudiar formalmente música o consideras suficiente el talento nato que algunos poseen?

Yo no estudié formalmente música pero estudio mucho, aproximadamente de cuatro a seis horas diarias y eso puedo decir que yo estoy en un nivel medio, hay mucho más que yo puedo dar y que voy a dar, a la larga no sé qué tan importante sea estudiar formalmente, sí es importante en cuestiones técnicas en recibir una instrucción y una formación pero al mismo tiempo es cierto que un músico avanza conforme el músico quiere, hay muchos músicos buenos que salieron de escuela a los cuales se les respeta pero también no puedo dejar de lado que también hay muchos músicos que no fueron a la escuela y son enormes con su talento que a lo mejor no pueden leer una partitura pero tienen una proyección, sentimiento y saben cómo quieren que se oigan las cosas.

Hay muchos músicos de la historia que no han estudiado formalmente, en mi caso yo estoy entre los dos, no estudié formalmente pero sé leer, componer, estudio la música como si lo hubiera hecho en la escuela. No sé si sea tan importante para mi en estos momentos estudiar de esa manera pero por ejemplo sí me gustaría estudiar o adentrarme más a la composición o ver cómo la música puede llegar a otros lados, música para cine, obras teatrales, eso sería interesante, finalmente la música es algo tan vasto que uno nunca acabará de estudiarla vaya o no a la escuela.

¿Qué es el jazz para Amanda Tovalín?

Una vez me dijeron que el jazz le enseñaba a los músicos a cerrar los ojos y abrir las manos, lo que quería decir esto es que el jazz era de la poca música que si uno no tiene la habilidad es un poco difícil pero si uno no aprende a cerrar los ojos y a escuchar es imposible, para mí el jazz era en un principio la música que me ayudaba a razonar, no quiere decir que otros estilos no me ayudaran a hacerlo, pero el jazz proponía otra dificultad diferente, me ayudaba a razonar desde una sola nota y la conexión con las otras, con un acorde, no puedo decir que lo que yo hago es enteramente jazz porque siempre va a ver una controversia entre qué es jazz y qué no lo es, lo único que sé es que estoy influenciada por muchos músicos que en su vida tuvieron ese camino.

¿En pocas palabras cómo defines tu música?

Me gusta decir que mi música es latina, ligera, folclorica y si tiene que ver con el jazz pero es una música honesta, como cualquier música tiene que ver con lo que uno escucha, yo crecí escuchando a Billie Holiday y a Ella Fitzgerald, sí tiene influencias pero no sé si etiquetarla propiamente porque la etiqueta en sí es difusa, yo creo que es mejor abrir los brazos y que cada quien haga su opinión.

¿Qué fue lo más importante que aprendiste de Magos Herrera?

Muchísimas cosas a tener paciencia en la música creo que es algo importante, muchas veces las personas creen que ya tener instrumento ya es tener la música y no, tienes que tener paciencia, Magos siempre me decía y tú cuánto tiempo le dedicas a una nota, muchas personas dicen ensayar mucho pero cuánto tiempo le dedicas a una nota, tan sólo sentarte, tocarla y sentir qué nota es, eso es algo importante que aprendí de ella, también a divertirme, es una gran persona, gran cantante y maestra.

Lo que más recuerdo de ella y de todas sus presentaciones es que se divierte muchísimo mientras lo hace, es algo que aprendí y que trato de entender que sí es tu trabajo pero al mismo tiempo estás haciendo algo que te gusta, que amas, no hay necesidad de estar estresado ni preocupado, las cosas van a salir, entonces hay que aprender a divertirse con los demás. Aprendí mucho de ella y también me divierto, hasta la fecha puedo decir que no sólo es mi maestra sino que somos grandes compañeras, es como mi guru.

¿Cómo fue que te inspiraste para crear tu primer EP?

Las canciones ya las había hecho, eran canciones que a lo mejor no tenía ninguna intención de tocarlas en vivo, todavía necesitaba que las cosas se fueran dando y efectivamente así fue, una vez que sacamos el disco siempre pensaba en lo mínimo en caso de que no pasara no pasaba nada, jamás dije vamos a hacer un disco, dije hagamos un demo, y salió un disco, jamás dije presentemos el disco, se lo pase a un amigo, le gustó y nos invitó a tocar en el Festival Primavera Jazz.

He dejado que las cosas se den así, fluyendo poco a poco, fue dar el paso de tocar en nuestro cuarto de ensayo a tocar en público, fue bastante gradual y bonito, nunca lo buscamos como una meta, ahora que ya lo hacemos lo disfrutamos enormemente pero también es bonito dejar que las cosas vayan pasando solas.

¿Cuánto tiempo te llevó materializarlo?

Me tardé un año, componer canciones para diez músicos siendo cuatro canciones nada más era un poco difícil, era una cuestión tan sólo de logística, incluso a la hora de grabación porque músicos entraban y salían, parecía como si fuéramos a ser una Big Band pero eran cuatro canciones solamente, creo que fue lo más tardado y por lo mismo los ensayos fueron un proceso tardado de que varios músicos se acomodaran, todo lo demás corrió bastante bien, en el momento en que nos sentamos a ensayar le dimos un mes, grabamos en dos días y estuvo todo el disco, de las cosas que puedo decir que más me tardé fue en los arreglos.

Tu primer sencillo es una canción de Silvio Rodríguez ¿Porqué?

Fue una corazonada, cuando estábamos platicando del concepto del disco, siempre dije que quería algo latino, algo que hablara de nosotros, en un principió quisimos hacerlo como folclore, nos dimos cuenta que nos gustaban cosas latinas pero contemporáneas, mi familia y yo escuchando a Gustavo Cerati, Mercedes Sosa a Silvio, me di cuenta que la tirada no era tanto el folclore y la música de las comunidades, sino cosas más contemporáneas estábamos decidiéndonos entre tocar Víctor Jara o el “necio” de Silvio Rodríguez, ambos compositores enormes, canciones hermosas.

 

Oyendo la canción de Silvio me di cuenta que además de que la letra era hermosa, la armonía era preciosa, se le dio un valor extra porque en el jazz tomamos gran valor a este aspecto en una canción si nos da posibilidades de rearmonízarla y de jugar con ella, el maestro Rodríguez es un compositor excelente y eso fue lo que me llamó a hacerla, porque me dio oportunidad de cambiarle todo y eso me gustó, al mismo tiempo traté de respetar hubo algunas complicaciones, la canción original dura cinco minutos, si a eso le añadíamos los solos iba a durar ocho minutos y la letra media hora nadie iba a querer eso, aunque hubo ciertas complicaciones pero ahí ya entró mi gustó personal, decidí que partes de la letra me llamaban más.

Fue totalmente una corazonada, ya teníamos los cuatro arreglos, al final decidí quitar uno para poner “el necio” y nos gusto tanto como quedó que decidí que fuera el sencillo .

¿Qué instrumentos te acompañan en tus presentaciones?

Casi siempre intentamos tener nuestra base rítmica sólida porque sería muy difícil estar cambiando, está a Erick Alfaro jovencito pero muy bueno y a Ricardo Hernández son nuestros dos contrabajo y bajo que se están rolando, en la batería está Miguel Manríquez, Guitarra Alonso Magaña, piano hemos trabajado con músicos muy buenos desde el maestro Alex Mercado hasta Esteban Herrera, ahorita estamos con Emmanuel Cisneros que también es un excelente pianista.

Lo bonito de esto es que intentamos trabajar como colectivo es decir nuestra alineación siempre está variando, lo que le da un plus porque siempre aunque se repita una canción a veces la van a oír con un acordeón, si nos vuelven a ver con un piano o una flauta, intento incluir en las composiciones las suficientes líneas melódicas como para que lo hagan varios instrumentos o lo haga uno solo, eso es lo que nos gusta, podemos a veces ser tres, hemos llegado a ser nueve, dependiendo el lugar y las facilidades que nos den vamos cambiando pero siempre intentamos que las canciones estén bien para que las podamos tocar a trío o entre todos y se oiga súper bien.

¿ Qué música escuchas?

De toda, uno de mis hobbies favoritos es buscar música o ir a conciertos de bandas que no tengo la menor idea de quienes son, eso es algo que me gusta muchísimo hacer, he encontrado cosas maravillosas, muy raras o que me han encantado, puedo levantarme en la mañana oyendo a Radiohead y en la noche estoy oyendo a Dupstep al otro día oyendo Jazz Bebop, Hard Bop.

 

O a lo mejor música cubana, rap, hay cosas que todos los géneros tienen que son muy valiosas del estilo la mayoría de la música es jazz debo admitirlo pero de vez en cuando como ir a un concierto le añade algo extra a la hora de componer porque entiendes más o menos si yo quiero cambiar de repente un poco mi composición y quiero ponerle elementos de son cubano se puede hacer, tengo etapas donde puedo escuchar mucho rock pero lo escucho con jazz, ahorita por ejemplo estoy con música fusión, estoy oyendo mucho tango, chacarera argentina, boleros, todas tienen cosas que me gusta agregar luego a las composiciones.

¿En tu playlist a qué músicos o bandas escuchas?

Mis discos favoritos que nunca cambio es Miles Davis Kind of blue siempre está hasta lo uso para correr me gusta mucho Michel Camilo un pianista de jazz latino exageradamente bueno, lo mismo Gonzalo Rubalcaba, hay bandas de fusión de jazz con música electrónica, Robert Glasper me gusta muchísimo él hace hip hop con jazz, Esperanza Spalding, Gretchen Parlato son artistas que me gustan mucho, cantantes asombrosas y músicos enormes, me agradan los Beatles, intento tener variedad.

¿Eres Melómana?

Sí Sobre todo me considero investigadora musical porque no hay cosa más bonita que darle oportunidad a una canción, oírla de principio a fin, a ver si te gusta y si no no pasa nada.

Ahora estoy muy metida en el tango porque las letras me llegan al alma, asimismo estoy tratando de hacer un proyecto con música africana, estoy haciendo mucha investigación sobre los distintos tipos de percusiones africanas, los distintos tipos de tambores, el famoso piano para dedos que es una tabla con clavos en relieve que vas tocando, creando un sonido muy africano.

¿Próximas presentaciones? 

-21 de junio Museo Universum como parte de la fiesta de la música de la embajada francesa a las 10:00 A.M.

-22 Junio en el Film Club Café

-27 Junio en el Zócalo del estado de Guerrero

-5 Julio estamos en Son Radio estación por internet,

-10 Julio en el restaurante café Las Musas del Papá sibarita.

-18 de Julio en el Museo Nacional de la Revolución como parte del ciclo Tabacalera Jazz a las 7:00 P.M. entrada libre

Redes:

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S.E.A.S.

@JunkiePrana

La Fundación Sebastian A.C. por cuarto año consecutivo une esfuerzos con grandes músicos llenos de propuestas frescas y vanguardistas que seducirán los oídos del público asistente al Festival Primavera Jazz 2014 del 20 al 29 de Marzo.

“Acérquense al Jazz sin miedo, sin analizar ni descifrar, no necesitan un doctorado ni estudios de música, hay que escuchar con apertura, el arte en general es totalmente subjetivo a veces la idea es que te guste aunque no sepas porqué, es simplemente escucharlo” agregó.

Matías Carbajal pianista y compositor autodidacta nos comentó que la principal característica de está edición son las presentaciones de discos de La Beguña, Sattva Quartet con “Kando” y el lanzamiento de su primer álbum “Mirando al Cielo” el sábado 29 a las 21:00 hrs.

 

“Al jazz hay que escucharlo con los oídos, el cuerpo y sentimiento. Toco con gente joven para la gente joven, mi objetivo es acercar a las personas al jazz de una manera más sencilla y que después decida si le gusta o no como pasa con toda la música que se escucha, invito al público interesado que investiguen más si les gusta el género” declaró.

Jorge Retana integrante del Sattva Quartet los cuales interpretan jazz contemporáneo demostró su emoción por la oportunidad que tienen al tocar en este espacio tan importante de la ciudad, asimismo describió “Kando” su primera producción discográfica que se lanzará en su concierto el viernes 28 a las 21:00 hrs.

“Nuestro disco será un bollo salido del horno, nos arriesgamos a hacer cosas y el resultado es Kando, un estado que expresa sentimientos de profunda emoción y satisfacción cuando se encuentra algo de valor excepcional, este es el significado de la palabra inventada por los japones de Yamaha, la cual adoptamos por la necesidad de compartir nuestra música, hacerla bien, no hay otro fin, en el cuarteto no hay protagonismos, el único protagónico es la música, todos la construimos, estamos al servicio de la piezas las cuales son gestionadas por los cuatro, lo que les da una personalidad concisa con una unión en la interacción de cada músico” manifestó el guitarrista.

H3A Jazz Barroco inaugurará los conciertos el jueves 20 a las 20:30 hrs con el proyecto encabezado por el reconocido flautista Horacio Franco.

“Es un enorme gusto y honor poder retribuir con un concierto el patrocinio que la Fundación Sebastian hizo al disco H3A, me alegra volver al recinto en el que compartí escenario con el maestro Enrique Nery qepd” afirmó.

El surgimiento del nuevo proyecto de Franco se debe a la consideración de los límites estéticos de la música inherente para la flauta de pico los cuales no deberían existir para poder incursionar en otro género musical como es el jazz es por eso que convenció a los músicos Aarón Cruz, Abraham Barrera y Adrián Oropeza para crear H3A.

Alfredo Landa director del grupo Jazztlan mejor conocido como el Dr. Jazz por sus composiciones extrañas pero auténticas y haciendo alegoría a su capacidad para transplantar y lograr cirugías en los temas que interpreta, presentará su proyecto solista en el que ejecuta el Stick de diez cuerdas, poco común en nuestro país, fusionando su sonido con distintos instrumentos como el acordeón y el vibráfono, coloreando su música con varios géneros que van desde el funk, rock y ritmos mexicanos como el huapango, lo acompañarán grandes amigos el domingo 23 a las 17:00 hrs.

“Trato de hacer cosas diferentes, me he dado cuenta que la mayoría del jazz en México, oyes a un grupo, a otro y ya oíste a todos, es mi forma de ver las cosas, creo que estamos obligados a buscar algo que sea nuestro, que no sea el jazz que se haga en New Orleans o New York y nosotros lo imitemos, creo que es lo que nos falta a los músicos en México, teniendo tantas raíces culturales y que no las aprovechemos, como que las hacemos a un lado, y la gente joven menos las conoce” platicó Landa.

“Me gusta experimentar nuevos colores en la música con otros instrumentos, mis ensambles son rarísimos, el Stick se presta mucho a ciertos colores, en lo personal a mi me gusta el acordeón con Stick” expresó el Dr. Jazz.

La cantante y compositora Ingrid Beaujean es parte del talento joven con gran experiencia, se presentará por segunda ocasión con su nuevo proyecto como solista de Pop-Jazz acompañada de un trío fresco perteneciente a una nueva generación el viernes 21 a las 21:00 hrs.

 

“Algo que buscamos en el cuarteto es que sea disfrutable jamás se enterarán que durante la pieza se cambia de compás cada dos o que tiene veinte integrados, ese es el objetivo del cuarteto generar música que pueda uno disfrutar que sea bella en ese sentido, que transmita algo, que te emocione, te prenda o desgarre, te ponga reflexivo y que no te preocupes por el resto, que vivas la música de alguna manera” dijo.

 

Anualmente en el mes de marzo el Centro Nacional de las Artes cimbra y pinta de colores sus áreas verdes con el Eurojazz, exhortando la asistencia de todos los capitalinos a cada uno de los conciertos gratuitos, este año se reunieron 10 bandas entre los que destacan Das Capital, trío radicado en Alemania, Irene Hatkamp, el pianista francés Laurent de Wilde y la banda Lesní zver.

Alemania, Austria, Países Bajos, Polonia, Alemania-México, Francia, República Checa, Irlanda, España, Bélgica y Suecia son los países invitados por el Festival Eurojazz 2014 que se llevará a cabo del 1 al 30 de marzo a partir de las 17:00 hrs.

 

 

S.E.A.S.

FOTO @JunkiePrana

El dúo Cabezas de Cera hizo viajar a otras dimensiones con sus melodías de tintes vagamente orientales, su riqueza tímbrica a la vez expresiva y colorida, provocaron tranquilidad insospechada en las sensaciones, visiones delirantes, desconocidas, cada pieza implantaba y envolvía al público en las historias fantásticas que contaban los hermanos Sotelo, el ambiente estaba en expectativa, sus sonidos eran únicos, los instrumentos metálicos en ejecución como el llamado “Charrófono” y el “Salterio Prisma” no eran nada comunes, estos formaron parte del proyecto MetalMúsica creados en la Escuela de Artesanías de Bellas Artes.

Más tarde personas de todas las edades imaginables estaban en un trance absoluto de regocijo con la música de La Internacional Sonora Balkanera, banda de electrónica, rock, world beat y balkan beat, imposible no convertirse en parte del mar humano que saltaba, bailaba, levantaba brazos, disfrutaba en la plenitud de la noche la fiesta musical, una tras otra llegaban las canciones como vitaminas nocturnas revitalizando el cuerpo y la sonrisa escondida de cada extraño.

La resistencia de Los de Abajo emocionó brillando con canciones de su disco Latin Ska Force como “Labios Rojos” entre otras y “Miénteme”, imponiendo su presencia y trayectoria con su sonido como ellos lo llaman “Tropipunk” tan esperado por los espectadores, el cual también traspasó fronteras llegando al Festival Glastonbury; a su manera hicieron un cover de la canción Clandestino de Manu Chao, prendiendo al máximo los ánimos, llegaron a todos los rincones empapando de fuerza con sus letras y ritmo concentrando trompetas, percusiones, bajo, guitarra, teclado, sax, batería y el ensamble de las voces de Tania Melo y Mauricio Moro, desbordando diversión y locura bajo la luna con un show lleno de vida y amor musical.

Magos Herrera transmitió la delicadeza de su versión para la canción Azul del maestro Agustín Lara, la intimidad de su jazz iluminó el lugar, emanaba pasión con cada compás, aplausos y gritos la acompañaban al terminar sus piezas, por momentos tenía mayor cercanía con la gente platicaba con ella, era tanta la complicidad del silencio atento que se comprometió a dar un concierto en un recinto publico este 2014 para despertar todos sus discos y que cualquier persona pueda acceder a él, de igual manera informó la salida de su nuevo disco para abril o mayo, realizado por primera vez en un formato a dueto. “Tierra movida” fue la primicia musical de la noche, “el tema expresa el sentir del cuerpo y el alma cuando el ser amado se va, se siente como la tierra de los hormigueros” hizo preámbulo la cantante. Como invitada Iraida Noriega interpretó “Reencuentro” a lado de Magos, transformando la suavidad a potencia en la sonoridad que llevaba a los oídos con su improvisación vocal.

El cierre de los Juegos Olímpicos de Sochi en Rusia trae el recuerdo del Primer Festival de Luces de Invierno 2013 organizado por Conaculta, que se llevó a cabo con gran éxito en el mes de diciembre, más de 200 actividades artísticas y culturales gratuitas alimentaron el alma de muchos mexicanos por 16 días en diferentes sedes de la república, su segunda edición se vislumbra prometedora.

S.E.A.S.

@GeorgeFranco85

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Los Chilaquiles Verdes son un proyecto que lleva diez años de trabajo, el cual se fundó por iniciativa del compositor Jorge Calleja, en ese entonces constituido por Luis Antonio Ramírez y Parménides García, es desde el año 2009 que la agrupación se conforma con los actuales integrantes, director Jorge Calleja, Luis Antonio Ramírez, Ernesto Vázquez, Carlos Pacheco, César Páez y Carlos Paz.

Pasión, compañerismo, fuerza, disfrute y distintos sabores de la cultura mexicana con destellos afroamericanos y europeos se reflejan en las canciones de esta banda que “a partir de la tradición, evoluciona y da origen a una propuesta original” a través de la fusión del son.

Apoyan al pueblo, a la gente que reclama sus derechos; las letras de los Chilaquiles Verdes comunican ánimo, esperanza, valor, alegría, sensaciones que erizan la piel, calman los pensamientos provocando viajar, reponerse y compartir para seguir adelante, dejando atrás la melancolía y descontento colectivo, aunque por ocasiones las melodías te llevan a una profundidad capaz de hacerte replantear los acontecimientos personales y sociales que han marcado lo que somos actualmente.

“¡¡La patria no se vende, la patria se defiende, se ama y se defiende, se arma y se defiende!!”

Se presentaron entre gritos de solidaridad y lucha en el marco del homenaje y entrega del premio Carlos Montemayor 2013, el cual se otorga a las personas que luchan por la justicia y dignidad de México, llevado a cabo en la Comisión de Derechos Humanos.

Musicofiliatv los entrevistó:

¿Porqué llamarse Chilaquiles Verdes?

“Se pensó en el nombre ya que es un platillo tradicional mexicano, rico visiblemente de mixturas, ingredientes variados crean a los Chilaquiles Verdes, en el proyecto hacemos justo eso, trabajamos con composiciones originales, cada uno de los músicos ha pasado por varios procesos musicales independientemente, así que todos le meten la cuchara a las rolas y sale una amplia combinación.”

¿Ustedes tocan Son Jarocho?

“Nosotros tocamos fusión de Son Jarocho, integramos el acordeón y elegimos este tipo de música por la improvisación, por este ser libre, tanto en temas como individualmente, podemos desarrollarnos bastante.”

¿Usan alguna técnica para desarrollar la improvisación?

“En Veracruz hay unos señores que se llaman repentistas que improvisan los versos, nosotros no improvisamos los versos pero utilizamos esas fórmulas de décima, cuarteta, quintilla y sextilla para hacer nuestras propias letras. 

La improvisación musical no es tan fácil de explicar porque cada quien va agarrando su propio lenguaje, es decir el lenguaje personal dentro del ámbito de la música, independientemente si hayas ido o no a la escuela a estudiar música, es más que nada el estar entregándote al instrumento, estar tocando y es una eterna búsqueda de empezar a imaginar sonidos y esos buscarlos en el instrumento de forma que ya no eres tú el que habla sino que el instrumento habla a través de ti, hay un cierto tipo de comunión con el instrumento para poder llegar a establecer ese lenguaje, todo es en base a la práctica constante.”

¿Cómo llevan a cabo su proceso creativo?

“Cada quien llega con un tema principal, una pieza o una idea a partir de ahí vamos sumando nuestro sazón para que la pieza musical tenga la parte fundamental del que crea, esa cosa que a veces no se entiende pero que se concentra con el toque personal de cada uno de nosotros, se respeta la idea original de alguien, trabajamos juntos, tratando de enriquecer y dar un sello único de los Chilaquiles Verdes.”

¿De dónde son y cómo se conocieron?

“Algo importante de Chilaquiles es que todos somos amigos todavía antes de integrar el grupo, tenemos distintas historias, nos conocimos en distintos tiempos, somos de Ciudad Nezahualcóyotl y solamente Carlos Pacheco es de Cuernavaca; en la música somos una familia grandota entonces coincidimos en proyectos porque siempre estamos en movimiento.”

¿Ha sido sencillo convivir con un grupo de cinco integrantes?

“No, es muy difícil, es una situación muy familiar entonces para los que tienen un sólo hermano, llevarse bien no siempre es sencillo y ya cuando la familia empieza a crecer, de repente tenemos que hacer más esfuerzos de entender al otro y escucharlo para que haya convivencia y armonía, musicalmente hablando nos hacemos una familia y vamos compartiendo, retroalimentando, conociendo, llega a haber diferencias de opinión como en todas las familias, ¡¡Hasta en las mejores familias!! pero, lo sobrellevamos muy bien.”

¿Qué emociones o sensaciones transmiten a su público?

“El Son Jarocho tiene de alguna forma esa libertad de hacer lo que tu quieres, de entregarte a eso, la libertad de improvisar, poderte equivocar y volverlo a intentar, esa libertad de crear, de empezar, de levantarse todos los días y hacer cosas diferentes, es tema principal compartir esa posibilidad de generar, habrá gente que le guste o no lo que hacemos como fusión pero, lo hacemos porque nos nace, es una necesidad, decirle a la gente que no esté en el mismo círculo haciendo lo mismo, que tenga curiosidad, todos somos creativos y debemos explotar eso.”

¿Qué tipo de instrumentos los acompañan en sus presentaciones?

“El requinto jarocho y el acordeón hacen las melodías, la jarana hace la armonía, el cajón peruano la percusión, la leona que hace la función del bajo, bajo eléctrico y la flauta transversal, a veces nos acompaña Cibele que es la bailarina con la tarima que también es un instrumento.” 

¿Quién hace las voces en las canciones?

“Principalmente Cesar Páez, aunque todos cantamos, lo hacemos feo para que él se escuche bonito”-todos ríen-

¿Qué pueden decirnos sobre su nuevo álbum “Caminante”?

“Justo el nombre del disco es el concepto que envuelve todo lo que quisimos entregar, son vivencias, el andar de cada quien por un camino en su vida, experiencias, son consejos que dicen que al final del día siempre pasan cosas buenas, no estás tan mal como lo piensas o se solucionan las cosas de algún modo. Nuestro disco tiene un mensaje positivo en general, la idea es un buen consejo, ser lo más feliz posible.”

¿Qué es lo que más disfrutan de ser Chilaquiles Verdes?

“El escenario, la gente que responde, crear música; todo es recíproco, vemos al público y también nos transmite energía.”

¿Qué tipo de música escuchan?

“Surtido rico, como las galletas, jazz, improvisación libre, música contemporánea, experimentación y música tradicional no sólo de México sino del mundo,escuchamos Folklore de México porque hay mucho. Los músicos escuchamos por etapas, por ejemplo Carlos Paz está con el son jarocho tradicional y el rap.”

¿Qué bandas escuchan actualmente?

“Canserbero”, “Los Aldeanos”, “Los Cultivadores del Son”, “Semente”, “Paco de Lucia”, “Leo Brouwer”, “Son de Madera”, “Los Cojolites”, “Javier Barría”, “Frank Zappa”, “Hermeto Pascoal”, “Chava Flores”, “Rodrigo González”, “Botellita de Jeréz”, “Chéjere”, “Sonex”, “Calle 13″, “Cafetacvba”, “Trio Alacrán Huasteco”, “Ensamble Huasteco”.

En pocas palabras ¿Cómo definen su música?

“Fusión, son de nueva canción y picosos.” 

http://chilaquilesverdes.bandcamp.com/album/caminante

 

S.E.A.S.

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